El ser humano tiene la necesidad de inventarse frases que, en realidad, si las analizamos, no tienen sentido alguno. Eso sí, con ellas hemos sido los más populares entre nuestros amigos.

Muchas de estas expresiones fueron molonas en su día (o en su año) y ahora se han quedado en retromolonas. O eso piensas hasta que dices alguna delante de alguien nacido este siglo y te mira con cara de desaprobación y vergüenza. Esa mirada es la que indica que es momento de dejar de usar estas coletillas que otrora fueron tendencia.

Efectiviwonder

Efectiviwonder era la magnífica palabra que se utilizaba para decir un simple ‘sí’ o ‘por supuesto’. Y aunque nos cueste creerlo, ha pasado de moda. Aunque si quieres ser un padre de lo más ‘cool’ no dudes en soltar de vez en cuando efectiviwonder a tus hijos, y si ya lo combinas con un yes, very well fandango, se volverán locos buscando que significa fandango.

Me río de Janeiro

No había mejor complemento para acompañar a una risa (un tanto forzada) que un sutil me río de Janeiro. Tristemente, debemos comunicarte que ahora te mirarán como un bicho raro si al contarte una historieta “te ríes de Janeiro.”

Guay del Paraguay

Tenemos que estar orgullosos, hemos hecho de “guay” ¡una expresión que nunca muere! pero… ¿Alguien es capaz de explicar el por qué de guay del paraguay? No, ¿verdad? Es un misterio que queda por resolver.

¿Con qué puede rimar guay? ¡Con Paraguay! Eso es, utilizar el nombre del país es lo único que se nos ocurrió para hacer de guay una expresión de lo más molona. Así de simple. Y no, no pienses en más rimas. Aunque Uruguay también rime, no hubiera sido lo mismo.

Digamelón

Rara era la vez que llamabas a un amigo tuyo y no te contestaba con un “digamelooooon”. Lo peor era la voz de pito que acompañaba al amigo de turno saludándote por teléfono.

La cagaste Burt Lancaster

No había metedura de pata que hicieras en la que el compañero de turno no te dijera “la cagaste Burt Lancaster”. ¿La explicación a esta célebre frase? Una vez más, no hay mayor explicación que una simple rima. Lo que si sabemos es que Burt Lancaster fue un actor, un actor al que tuvimos frito con esta frase.

Éxito tuvo, y mucho, tanto que Hombres G llamaron así a una de sus canciones.

Hasta luego cocodrilo (y no pasaste de caimán)

Es la tradución mas literal de la (ya también pasada de moda) frase americana: “See you later, alligator!”.

En nuestro país se puso aún más de moda cuando Parchis lo cantaba. A ritmo de Hasta luego cocodrilo nos convertimos en los reyes de la pista. Eso sí, los aires se nos bajaban cuando nos contestaban “y no pasaste de caimán”.

Alucina vecina

Seguro que has utilizado mil veces esta frase e incluso es posible que aún se oiga por la calle. Es una de las frases ochenteras que tardan en morir. Lo que es probable que no te acuerdes tanto es que salió en este anuncio de muñecos Gugu de Berjusa

Okey makey

¡Y lo que nos alegra que hay jóvenes que siguen usando esta frase! Okey makey se niega a morir, ¡y así debe seguir! Más de 20 años han pasado desde que comenzamos a usar esta expresión para decir un “vale”.

Me piro vampiro

Sin duda con esta expresión eramos los más molones del barrio. Hay que reconocer que no era poesía pura pero estas simples palabras con nuestras hombreras bien altas y los pantalones de campana nos hacían ser los más guays del lugar.

No puedor

¡Cuantas frases míticas nos ha dejado el gran Chiquito de la Calzada! Siempre había algún graciosillo en el grupo que no se cansaba de imitarle. ¿O eras tú ese graciosillo?

A la cola pepsicola

Esta frase tiene delito, no solo por su construcción sino también por cuando lo decíamos: en aquella colas interminables de nuestros años de EGB. El delito estaba en que la soltábamos a cualquier compañero que intentaba colarse en la cola, ¡en la cola para ir a clase!

¡Hasta el mismísimo Michael Jackson era fan de la cola de pepsicola!

​De qué vas, Bitter Kas

Pocos recordábamos ya de donde nació esta mítica frase que tanto decíamos. Pues así es, de un anuncio publicitario. Desde luego que los publicistas hicieron un magnífico trabajo.

Eres un pinfloi

Poco tardamos en españolizar el nombre del grupo británico Pink Floyd, fuera esas consonantes que tan poco usamos. “Pinfloi” era mucho más sencillo, ¡claro que sí!

Jopelines Angelines

¡Fritas teníamos a todas las Angelines! Oían su nombre allá por donde iban. Y no, no es que quisiéramos llamar su atención, es que era lo que mejor sonaba al lado de “jopelines”.

En fin, Serafín

“Corre más el galgo que el mastín”

Es lo que nos contestaba alguien cada vez que decíamos “en fin serafín”.  ¡No existe dicho mas largo que este! La cosa no quedaba ahí, aún había frase para que la continuara un tercero: “si el camino es corto, porque si el camino es largo corre más el mastín que el galgo”

Porfaplis

El por favor se quedo anclado en el pasado para ser sustituido por nuestro dulce “porfaplis”. No había cosa que no consiguieramos si lo pedíamos con un “porfaplis”. ¿Quién puede resistirse a eso?

Un poquito de por favor

Y llegó la versión mas moderna del “porfaplis”. “Un poquito de por favor” consiguió desbancarlo del puesto número 1. Se lo debemos al portero más famoso del mundo, papel que interpretaba Fernando Tejero en la exitosa serie “Aquí no hay quien viva”.

¡Ay! Que tiempos tan tiernos. En fín serafín, fue una década de lo más fructífera en cuanto a vocabulario original que desde luego, no pasó desapercibida.

¡Hasta luego, Lucas!

Sí, sí, ya sabemos que hay un montón de series actuales por ver y que el seriéfilo no da abasto. Pero, de cuando en cuando, no está mal rastrear en la prehistoria de la televisión y descubrir joyas (tal vez) olvidadas.

Porque siempre hubo series buenas. Aunque, claro, de otro tipo y de tono absolutamente diferente a las de ahora (no, no hay un Juego de tronos de los años 50 o 60).

Son series que hay que ver en su contexto y que se disfrutan, sobre todo, por su estilo naif, su inocencia y sus colores pastel (o su blanco y negro) tan de otra época.

Veamos.

1. Alfred Hitchcock presenta

Si Hitchcock era bueno haciendo películas, en televisión también supo estar a la altura. Alfred Hitchcock presenta era una serie compuesta por relatos cortos de miedo. Y funcionaba a la perfección. Hay capítulos que han quedado clavados en la memoria de varias generaciones de telespectadores: el del tipo que queda paralizado en un accidente y le van a enterrar vivo, el del marido que venga la violación de su mujer para descubrir después que… Mejor no contar nada. La serie se vende en DVD y está en streaming, háganse un favor y acudan a ella. Se emitió entre 1955 y 1965 y parte de su encanto son los prólogos y epílogos del propio Hitch.

2. Batman

Puro Pop Art y un disfrute para cualquier amante de los productos psicotrónicos de otros tiempos. El color que tiene esta serie no lo tiene ninguna. Batman fue serie de televisión entre 1966 y 1968 y Adam West encarnó al Hombre Murciélago. Todo mola. La música (que en los 90 fue versionada por Prince), los actores (Vincent Price, Burguess Meredith, César Romero…), los disfraces, la osadía de presentar a una Catwoman negra (eso sí que era Black Power)… Buenísima para ver en pequeñas dosis.

3. Superagente 86

Fue una serie (de título original Get Smart) inventada por Mel Brooks, que luego se convertiría durante los 80 en el rey de la taquilla con sus parodias (La loca historia del mundo y todo eso). Superagente 86 eran las aventura de un espía de lo más patoso: Maxwell Smart. Tenía mucha gracia, popularizó aquello del zapatófono y duró hasta 1970 aunque en España, doblada por actores de marcado acento latinoamericano, estuvo emitiéndose casi hasta ayer mismo. Merece la pena recuperarla.

4. La familia Monster

La vida cotidiana de una familia monstruosa. Horror y ternura. La familia Monster (The Munster en el original) tuvo apenas dos temporadas pero dejó huella. Su estilo añejo y su blanco y negro resultan una experiencia de inmersión en otros tiempos de la televisión.

5. Thunderbirds / Guardianes del espacio

Entre 1964 y 1966 se emitió esta serie de animación con marionetas chulísimas, un rollo muy sixtie y ese punto de las cosas hechas artesanalmente, antes de que los ordenadores imperaran en los dibujos animados. Thunderbirds era una producción británica.

6. El avispón verde

Si el Batman de los años 60 resulta (visto hoy) psicotrónico, ¿qué decir de El avispón verde?. Capítulos cortitos con estética de cómic y un Bruce Lee conquistando su fama en Estados Unidos como Kato, chófer karateka de el mismísimo Avispón. Green Hornet (su título original) resulta totalmente hipnótica.

7. Los invasores

Un poco como La invasión de los ladrones de cuerpos pero en formato de serie. Un arquitecto llamado David Vincent ve aterrizar una nave espacial y se convierte en el único hombre en el mundo que sabe que los extraterrestres nos están invadiendo. Toman forma humana pero (ojo) no saben doblar el meñique. Un detalle enternecedor que hizo que muchos niños de los 60 observaran con atención las manos de los adultos a ver si el meñique se doblaba o no. Muy buena, algo angustiosa y exitosísima en los 60.

Mucho antes de Tesis, REC y Verónica hubo otro cine de terror español que resultaba enormemente rentable en taquilla y atraía a estrellas de Hollywood a rodajes mesetarios que lo mismo se hacían en Chinchón que en los merenderos del río Alberche o la sierra de Guadarrama.

Hablamos del cine de terror que en los 70 hicieron en España pioneros como Paul Naschy, Narciso Ibáñez Serrador, Jorge Grau, Amando de Ossorio, Carlos Aured…

Ah, qué tiempos aquellos.

Veamos.

1. ¿Quién puede matar a un niño?

Tal vez la obra maestra de Chicho Ibáñez Serrador. Dos viajeros perdidos en una isla del Mediterráneo sobre los que se cierne una amenaza indescriptible. Magnífica banda sonora, estupenda fotografía (ese sol calcinante de la España con paredes blancas), un guión que es un perfecto mecanismo de angustia… Realmente impresionante.

2. Dr. Jekyll y el Hombre Lobo

Sólo el cartel ya mola. Y la idea de cruzar a dos monstruos icónicos del universo terrorífico. Dirige León Klimovsky, participa en el guión Paul Naschy e interpreta también Paul Naschy, nuestro particular Boris Karloff.

3. El coleccionista de cadáveres

El mismísimo Boris Karloff estuvo rodando esta película en la Costa del Sol y Gil Parrondo (ganador de un Oscar por Patton y otro por Nicolás y Alejandra) se ocupó de la dirección artística. Pocas bromas.

4. El conde Drácula

No podía faltar en este repaso al cine español de terror rodado en los 70 el gran Jesús Franco (Jess Frank cuando filmaba internacionalmente). Él rodó esta versión de Drácula en 1970 y contó (nada más y nada menos) con Christopher Lee y Klaus Kinski. ¿Quién da mas?

5. Pánico en el Transiberiano

Dirigida por Eugenio Martín (que lo mismo se rodaba un western que La vida sigue igual con Julio Iglesias) e interpretada por un elenco de aúpa: Telly Savalas (muy de moda en aquellos días por Kojac), Christopher Lee, Peter Cushing, Silvia Tortosa, Helga Liné… Fue un exitazo de taquilla tremendo. Y está muy bien.

6. El espanto surge de la tumba

Otro gran artesano del cine pop en los 70 fue Carlos Aured, director de numerosos títulos de terror (como este) y también de Apocalipsis sexual, cinta erótica protagonizada por Ajita Wilson, un fugaz icono sexual a quien Andrés Pajares se negó a besar en una escena porque le contaron que era transexual.

7. No profanar el sueño de los muertos

Y ya llega Jorge Grau con sus zombis y con ese reparto en el que se mezclan actores de Hollywood a quien Europa acogió en su seno por falta de éxito en su lugar de origen (Arthur Kennedy, Ray Lovelock) y jóvenes promesas como Cristina Galbó.

8. El ataque de los muertos sin ojos

Otra grande del horror hispánico. Amando de Ossorio. Entre sus joyas, esta película cuyo título parece ideado por un niño de siete años. Entrañable.

9. La semana del asesino

Así arrancó su carrera Eloy de la Iglesia. El que poco después triunfaría con pelotazos entre lo underground y lo mainstream como El diputado o El pico, filmó aquí la historia de un psicópata. Un montón de excelentes intérpretes en el reparto: de Eusebio Poncela a Emma Cohen pasando por Lola Herrera e Ismael Merlo.

10. Arrebato

Cine de terror en versión underground y película de culto por excelencia del cine español. Una pieza única. Nadie volvió a hacer nunca nada igual en el cine español. Y a ratos (sí) da miedo esta cinta obsesiva.

Hay vida más allá de Bajo la misma estrella, Los Juegos del Hambre y los venerados volúmenes de Harry Potter. Es cierto que esos títulos se han convertido ya en clásicos modernos para la generación millennial.

Pero ¿por qué no echar un vistazo y recuperar lecturas de otros tiempos?

Puede que, al principio, resulte un tanto dificultoso. O no. Porque, al final, los libros que fueron magníficos en otra época siguen conservando un indestructible fulgor.

Bueno, he aquí la propuesta.

1. Matar a un ruiseñor (Harper Lee)

En Estados Unidos casi todo adolescente ha leído Matar a un ruiseñor, clásico de la literatura sureña escrito por Harper Lee, la mejor amiga de Truman Capote.

Se trata de una novela de aprendizaje en la que una niña de seis años relata una historia que combina dureza y ternura. En un pueblo de Alabama un hombre negro es acusado de violar a una mujer blanca y Atticus Finch, padre de la narradora y abogado absolutamente convencido de la dignidad de todo ser humano, decide defenderle.

2. El mago de Oz (L. Frank Baum)

Al igual que Alicia en el país de las maravillas este es un libro del que se saca más partido cuando eres mayor. De niño resulta una historia tristona y lisérgica. Y para un millennnial también lo será (en parte) pero existe en El mago de Oz toda una poesía realmente emocionante.

Mejor si se consigue alguna edición con las ilustraciones orignales de W. W. Denslow.

3. Drácula (Bram Stoker)

Antes de Crepúsculo hubo vampiros. De hecho, el vampiro por antonomasia es el conde Drácula y la novela de Bram Stoker continúa siendo una deliciosa incitación a pasar miedo.

Pero ¿todavía se pasa miendo leyendo Drácula?

Compruébelo quien se atreva. Aún contiene páginas escalofriantes.

4. El guardián entre el centeno (J. D. Salinger)

La traduccion del título original al español es aproximada pero el espíritu juvenil de esta novela breve está en cada línea y da igual el idioma en que se lea.

El guardián entre el centeno es una obra maestra indiscutible y llega al centro del corazón de todo lector joven.

Un millennial (por supuesto) se identificará con Holden Caulfield, ese adolescente perdido en la ciudad como perdidos estamos todos los jóvenes que en el mundo hemos sido.

5. La isla del tesoro (Robert Louis Stevenson)

Las grandes novelas de aventuras suelen ser realmente grandes porque en sus páginas surge un gran personaje. Este es el caso de La isla del tesoro.

La isla del tesoro es John Silver, ese villano al que el lector odia y ama a partes iguales. Porque es bueno y malo a la vez. Porque, tal y como aprende el joven protagonista, así es la vida, compuesta de claroscuros.

6. Carrie (Stephen King)

¿Puede considerarse Carrie un clásico juvenil?

Y ¿por qué no?

Es la historia de una adolescente inadaptada y de su venganza contra la clase dominante de su instituto.

Truculenta y con el efectismo propio de Stephen King. Pero repleta de momentos emocionantes que el millennial atento sabrá disfrutar.

7. Frankie y la boda (Carson McCullers)

¿Qué pasa cuando nos hacemos mayores? ¿Qué significa entrar en la edad adulta? Esas son las preguntas que se hace Frankie justo antes de que su hermano mayor se case y desaparezca para siempre de su universo infantil o casi adolescente.

Frankie y la boda es una novela preciosa y emocionante escrita por una autora que forma parte de la lista de clásicos de la literatura estadounidense.

Una aventura extraordinaria en muy pocas páginas.

Es posible que alguno de los nombres que vamos a repasar permanezcan en esa zona de lo sombra que casi linda con el olvido. Injustamente. Porque todos ellos y ellas fueron astros que en los 90 brillaron fulgurantemente e hicieron mejor el cine español.

Y si hablamos del cine español de los 90, tenemos que hablar de Historias del Kronen, una joya disruptiva de Montxo Armendáriz que hizo un retrato impactante pero muy real de la juventud de la época. Para hacerlo, contó con la inestimable colaboración de un elenco que elevó a categoría de estrellas de la época: Juan Diego Botto, Jordi Mollà, Núria Prims, Pilar Castro o Eduardo Noriega, entre otros.

Es el caso (por supuesto) de Ruth Gabriel, cuya impactante interpretación en Días contados, dejó al público en estado de shock y le valió un premio Goya. Aquella película de Imanol Uribe hablaba de terrorismo, droga, violencia, desarraigo juvenil.

Y ahí estaban Candela Peña (otra grande los 90 y grande de todas las eras cinematográficas) y Ruth Gabriel, que luego ha tenido una carrera irregular, entre el cine y el teatro y que sigue feliz viviendo de su talento artístico.

La vida sigue.

En Días contados trabajó también otra estrella de los 90 absolutamente fundamental: Carmelo Gómez, que junto a Javier Bardem sería la presencia masculina más importante de la década. Ambos coincidirían en Días contados y ambos coincidirían en El detective y la muerte, interesantísima cinta que dirigió Gonzalo Suárez.

A la derecha de la imagen sonríe Anna Galiena, que fue también astro de los 90 dentro de un cine europeo en el que lo mismo triunfaba globlamente protagonizando El marido de la peluquera que con Jamón, jamón de Bigas Luna.

El director catalán fue descubridor de numerosos talentos: afianzó a Javier Bardem y Penélope Cruz como intérpretes que pronto Hollywood captaría y tuvo a Jordi Mollá en sus comienzos y también hizo brillar a Francesca Neri como icono erótico en Las edades de Lulú, adaptación de la novela de Almudena Grandes.

Por cierto, que en Las edades de Lulú aparecen otra gran estrella de los 90 como es María Barranco, una de las grandes Mujeres al borde de un ataque de nervios y actriz española de inmenso talento.

Todas y cada una de las actrices de Mujeres al borde de un ataque de nervios fue estrella de los 90 (y siguen siéndolo para siempre): Rossy de Palma, Bibiana Fernández, Kiti Manver, Julieta Serrano…

Y luego está el trío protagonista de la opera prima de Alejandro Amenábar: Tesis. O sea, Nuria Torrent, Fele Martínez y Eduardo Noriega. Tres intérpretes formidables.

Nuria Torrent había sido el gran rostro infantil del cine de Carlos Saura y regresó vigorizada en los 90 con varios títulos importantes. Y ahí sigue.

Otro gran nombre de los 90 es Miriam Díaz Aroca, descubrimiento televisivo que llega a la gala de los Oscar con Belle Epoque de Fernando Trueba.

Y luego está la gran estrella que decidió abandonar su estrellato: Silke, la diva de Julio Medem y quien compartió cartel con Nancho Novo (estrella también) en Tengo una casa.

Y resulta imprescindible mencionar a Ariadna Gil (en brillo permanente) y a Pere Ponce, ambos pareja protagonista de Amo tu cama rica, gran comedia de los 90 que actualizaba para la juventud el

Aquellos maravillosos 90.

Tantas actrices y tantos actores que forman parte de la memoria sentimental de un país.

Es de cajón. Si a cualquier persona con más de 30 años le dices: ‘Tu piel morena…’, de forma automática te contestará con un ‘sobre la arena’, mientras sus caderas empiezan a moverse de forma sinuosa. Es una especie de saludo secreto entre gente que ya tiene una edad.

Pero, ¿qué significa? Para empezar, que has vivido la década de los 90. Una época en la que la música estuvo marcada por un boom de cantantes y grupos prefabricados, buscando lo comercial y el pelotazo rápido. Algunos lo consiguieron. Otro no. Incluso hubo algunos que se mantuvieron en en candelero durante un tiempo. Los menos.

Y para muestra, los siete botones que traemos. En este caso, siete dúos noventeros que arrasaron en su día pero, poco a poco, fueron cayendo en el ostracismo musical patrio. El mismo en el que yacen gente como ‘Zapato Veloz’, ‘El Chaval de la Peca’ o ‘Javi Cantero’.

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No obstante, lo que nos ocupa (y en algunos casos nos preocupa) son dúos. Por aquel entonces, hablamos de los 90, la fórmula era sencilla. Dos ‘cantantes’ guapos, modernos (lo que se consideraba moderno en la época) y a correr. No hacía falta bailar, pero se valoraba en el CV.

En cuanto a lo musical, había dos alternativas: lo bailable o lo intenso. En el primer caso, bases techno, ritmos pegadizas y letras que harían revivir al mismo Satán. En el segundo, guitarra en mano, letras intensas sobre desamor y público limitad al aforo del bar de turno. Sí, los 90 fueron muy duros y estos dúos que ya nadie recuerda, así lo demuestrna.

Viceversa

Para empezar, la canción ‘Tu Piel Morena‘ se titulaba ‘Ella‘. Dicho lo cual, decir que fue creada por los hermanos Ángel y Carlos Beato, dos hermanos catalanes que formaban el dúo ‘Viceversa’. Un dúo que tuvo más éxitos de los que podría parecer, gracias a su sonido tecno-pop, pegadizo como pocos.

‘Un amigo de verdad’ y ‘Ella’ llegaron a número 1 en Los 40, llevándoles a vender más de 500.000 discos. Dieron más de 300 conciertos y aparecieron más de 50 veces en televisión. Llegó el año 2000 y sacaron recopilatorio. Los 90 habían terminado y, con ellos, su éxito. Lo intentaron con Eurovisión 2010 pero no hubo suerte. Lo suyo fueron los 90.

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Ciencias Naturales

Salva Dávila y José Alfonso Lorca, dos veinteañeros guapos a rabiar, se unieron en 1995 para crear ‘Ciencias Naturales’. Ambos se conocían de ‘Sin Rumbo’, una banda de instituto que acabó disuelta pero que unió a los dos artistas. Esta unión, sumada a la aparición estelar de Capi, el cazatalentos del momento, acabó con el dúo convertido en fenómeno de masas.

‘Ciencias Naturales’ lanzó dos discos: ‘Ciencias Naturales‘ (1995) y ‘Amor a Plazos’ (1997). Sus canciones eran pastelosas y románticas, como muestra su gran éxito ‘En el andén del corazón’. La pena es que semanas antes de comenzar la promoción de su segundo álbum, se separan. Para el recuerdo dejan este directo en TVE.

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Platón

Con el nombre más pretencioso de la historia de la música, se presentaron los hermanos Gómez-Cambronero. Míchel y Chus arrasaron desde principios de los 90, aunque ya llevaban desde finales de los 70 en el mundillo. De hecho, ambos hermanos formaron parte del grupo ‘Parchís’ hasta 1992. Chus sustituó a Tino en 1983 y Míchel a David (el dado) en 1984.

Desde ese año, y hasta 2003, se unieron como ‘Platón’. Un dúo de pop rock melódico que les da un éxito más que relevante. Giras por toda España, composiciones para otros artistas, incluso estuvieron viviendo en Miami un tiempo. Además, llegaron a compartir escenario con gente como ‘Wet, wet, wet’, ‘Take That’ o ‘New Kids on the Block’. ¿Su gran éxito? ‘Mía’

OBK

Jordi Sánchez y Miguel Ángel Arjona formaron uno de los dúos abanderados de los 90. Su electropop enamoró a millones de personas y algunas de sus baladas aún estremecen a esos fans, dos décadas después. Por cierto, OBK es la abreviación de ‘Oberkorn‘, un tema instrumental de ‘Depeche Mode‘, grupo cuya influencia es clara en su música.

Formados en los 80, es en 1991 cuando firman su primer gran contrato con Blanco y Negro. Desde entonces, han lanzado 15 álbumes y siguen en activo. Ahora, el éxito de los 90 fue insuperable. En su CV, hits como ‘Historias de amor’, ‘El cielo no entiende’, ‘¿De qué me sirve llorar?’ o ‘Tú sigue así’

Ella Baila Sola

Marta Botía y Marilia Andrés, o lo que es lo mismo, ‘Ella Baila Sola’. Llegaron, vieron, vencieron y desaparecieron. ‘Lo echamos a suertes’ se convirtió en un éxito instantáneo a mediados de 1996. A este single le siguieron otros como ‘Amores de barra’ o ‘Cuando los sapos bailen flamenco’. 

Durante un lustro se situaron como las cantaurtoras más relevantes de España. Sus ventas superan los 5 millones de copias y algún año, como en 1997, superaron los 100 conciertos. A pesar de ello, se separaron en 2001 y no en muy buenos términos. Entre ellas, Álex Ubago y Tontxu, los bares tenían hilo musical para toda una tarde.

Amistades peligrosas

Alberto Comesaña y Cristina del Valle eran puro sexo sobre el escenario. En sentido figurado. Pero desde que se unieron para crear ‘Amistades Peligrosas‘, en 1991, la tensión sexual, las letras subidas de tono y reivindicativas, les convirtieron en un referente del pop rock nacional, con curiosos toques barrocos y folk. Unos transgresores.

Posteriormente llegaron las disputas, las separaciones, los retornos, más disputas y, eso sí, más de 2 millones de copias vendidas. Ambos tenían un gran concepto de sí mismos, pero es innegable que rebosaban talento. ‘Me haces tanto bien’, ‘El Príncipe Valiente’ o ‘Me quedaré solo’ son historia de la música en España.

Rios de Gloria

Javier Ríos y Gloria Gómez. ¿Lo pilláis? ‘Ríos de Gloria‘. Si es que estaban destinados a triunfar. Eso sí, a la sombra de ‘Camela‘, grupo con el que a menudo se les confunde. Y es que la tecno-rumba hizo mucho daño a finales de los 90 en España. En el caso de ‘Ríos de Gloria’, acompañada de estilismos imposibles y bailes sandungueros.

Ahora, que sus canciones eran hitazos es innegable. La letra, mejor no analizarla, pero que se te grababan a fuego en la cabeza, es un hecho. No hay más que recordar ‘Desafíame’ o ‘El deseo es un volcán’, para estar tarareándolas varios días.

Fotos y vídeos: Youtube

Hay películas que, por razones absolutamente enigmáticas, aún siendo malas resultan muy buenas. Largometrajes que dan la vuelta y se convierten en filmes de culto. Pelis fallidas que producen un placer tan sublime como si de obras maestras se tratase.

¿Y qué películas son esas?

A ver.

Opiniones existen para todos los gustos pero he aquí un listado que tal vez se aproxima mucho al ranking perfecto de películas malas muy buenas.

1. Showgirls (1995)

¿Qué podía salir mal? Un director de prestigio (Paul Verhoeven –Instinto básico, Robocop…-), un guión que trasladaba al mundo del striptease el universo de Eva al desnudo y, de protagonista, una Elizabeth Berkeley recién salida de Salvados por la campana ejecutando un triple salto mortal del insti al desnudo.

La expectación era máxima, se hablaba en todos lados del proyecto, se esparaba algo muy grande y…

Y salió pero que muy mal. Batacazo en taquilla, críticas inmisericordes, la ortodoxia cinéfila pidiendo la cabeza de Verhoeven.

Pero (ale hop) poco a poco Showgirls se convirtió en película de culto e, incluso, hubo directores como Jim Jarmusch o Jacques Rivette que elogiaron esta pieza a medio camino entre lo chanante, la ridiculez pura y la presunta ironía autoconsciente.

La peor parada fue Elizabeht Berkeley, cuya carrera no ha levantado vuelo desde entonces.

Pero ¿por qué esta película mola siendo tan mala? Por lo mismo que Striptease (con Demi Moore de protagonista y que pretendió ser una réplica a Showgirls) es un bodrio inaguantable jugando con elementos similares. Hay cierto talento absurdo

2. Crueles intenciones (1999)

Otra apuesta arriesgada: adaptar el clásico de la literatura francesa Las amistades peligrosas (del siglo XVIII) trasladándolo a un ambiente de adolescentes pijos en el NuevaYork del siglo XXI.

No funcionó.

O, al menos, en primera instancia. Porque, finalmente, Crueles intenciones se ha convertido en un placer culpable que disfrutan legiones de espectadores que acuden a esta pieza de cámara con Ryan Phillipe, Sara Michelle Gear y Reese Whiterspoon.

Como curiosidad, el que Ryan Phillipe y Reese Whiterspoon se enamoraran en el rodaje de esta peli y hasta 2007 fueron marido y mujer.

Si cinematográficamente resulta endeble, al menos tiene una potentísima banda sonora con temazos de Placebo, The Verve, Blur, Fatboy Slim, The Cardigans o Counting Crows.

3. Dos tontos muy tontos (1995)

Una película que no engaña: es una tontería de principio a fin. Y, sin embargo, cada vez que la pasan por la tele convoca a miles de espectadores y no hay modo de apartar la vista y (ejem) nos reímos con las idioteces escatológicas de Jim Carrey y Jeff Daniels.

Hay películas que son así. Hechas para desconectar el cerebro.

Por cierto, que a Jeff Daniels le recomendaron encarecidamente que no hiciese esta peli porque arruinaría su carrera. No hizo caso y se llevó un buen montón de dólares y nadie se lo ha tenido en cuenta. Después le vimos en la serie periodística The Newsroom y estaba perfecto.

En cuanto a Jim Carrey, ¿qué decir? Por mucho que la crítica le aborrezca, posee un talento que sigue esperando algún buen papel más (aparte de los que interpretó en Man on the moon y El show de Truman).

4. Yo, el halcón (1986)

El cine estadounidense es capaz de convertir en material cinematográfico absolutamente todo. Incluso el mundo ¡de los campeonatos profesionales de pulsos!

Sí, en Yo, el halcón hace alarde Sylvester Stallone de su habilidad a la hora de echar un pulso a terroríficos camioneros.

La película es mala donde las haya (con pasajes lacrimógenos, niño bastante repelente, diálogos de una épica absurda…) y, sin embargo, funciona como un disfuncional mecanismo de relojeria e hipnotiza a quien caiga en su visionado.

Si la ponen por la tele, te quedas viéndola. Otra cosa es que la termines de ver porque es muy de la hora de la siesta.

5. Sharknado (2013)

Ed Wood estaría orgulloso de esta película. La estrenó el canal Scy-Fi, ha tenido secuelas y se trata de una actualización de la serie B con monstruos de toda la vida.

En Sharknado hay tornados salvajes que dejan la ciudad repleta de tiburones voladores o algo así.

Hay que verla para creerla.

Eso sí, Sharknado tiene trampa porque (aunque sus creadores traten de ocultarlo) es mala adrede.

Y no. Las auténticas pelis malas buenas lo son porque han salido así sin querer.

De todos modos, admitamos Sharknado en esta lista.

6. Colega, ¿dónde esta mi coche?

Sí, digámoslo bien alto. Colega, ¿dónde está mi coche? es una obra maestra del cine gamberro. Y sus dos protagonistas (Ashton Kutcher y Sean William Scott) se hallan aquí en verdadero estado de gracia.

Pero la peli es mala, clamarán los cinéfilos y la crítica seria.

Tal vez.

Pero quien no se haya carcajeado con algunos de sus gags es que tiene el sentido del humor averiado.

Esto es una auténtica película de risa y no Resacón en Las Vegas, la comedia más sobrevalorada de la historia.

7. Serpientes en el avión (2006)

Elsa Pataky ha rodado con José Luis Garci y ha participado en una peli mala de culto: Serpientes en el avión. Puede darse por satisfecha como actriz. Aunque todavía le quedan grandes papeles por delante (of course).

Samuel L. Jackson se puso al frente esta producción de Hollywood con algo de serie Z y, bueno, funciona si no te lo tomas en serio.

El director, David R. Ellis, también tiene en su haber otras joyas del mismo estilo como Destino final 4 y Asylum.

8. Zoolander (2001)

Con motivo del estreno de Zoolander nº2 se desató una formidable campaña de promoción destinada a convencer a crítica y público de que la primera parte era una obra maestra a la altura de las comedias de Chaplin o Buster Keaton.

Pues no.

Zoolander mola porque es una película tirando a mala. Con chistes chorras e idioteces que, de puro infantiles, dan la vuelta y hacen reir.

No pasa nada. Honestidad ante todo.

Por eso Zoolander nº2 no ha gustado a casi nadie. Porque se estrenó con unas ínfulas que no correspondían a lo que el producto podía ofrecer.

9. Un paseo por las nubes (1995)

A excepción de Mi Idaho privado, casi cualquier película en la que haya salido Keanu Reeves es mala (sí, Matrix también).

Pero el caso es que Un paseo por las nubes es de esas pelis malas que, si te pillan en un día tontorrón, la disfrutas hasta soltar la pertinente lagrimita.

La dirigió el mexicano Alfonso Arau, que sedujo a Hollywood con Como agua para chocolate, que estaba bien pero no era para tanto.

Quiso repetir la jugada en plan superproducción USA y esto es lo que le salió. Después se volvió a México.

Pero, la verdad, Un paseo por las nubes tiene una foto muy bonita y, si te dejas llevar, hasta puede emocionarte.

10. Juegos salvajes (1998)

Un policíaco ambientado en el sudoroso sur estadounidense que pretende ser Fuego en el cuerpo y se queda en otra cosa (aunque también fascinante).

El problema es el guión, con tantos golpes de efectos, giros inesperados y personajes que no son lo que parecen. Tan enrevesado que cabe la pregunta de si a la hora de escribirlo se consumieron sustancias estupefacientes.

Juegos salvajes es una película que sabes mala de cuidado y, sin embargo, (por alguna razón) te atrapa. Tal vez porque quieres, una y otra vez, comprobar cómo se puede hacer un guión tan tramposo y repleto de absurdos. O porque quieras ver a Kevin Beacon y Matt Dilon dándolo todo. O para comprobar hasta dónde pueden llegar en su competición de sensualidad Neve Campbell y Denise Richards.

Sea como sea, estamos ante una película mala que (sí) da la vuelta y se queda a medio milímetro de lo magistral.

Hay que reconocerlo, la televisión (en el más amplio sentido de la palabra, en la actualidad) lleva varios años viviendo una Edad de Oro que parece no tener fin.

Se hacen más series que nunca pero, sobre todo, se hacen mejores series que nunca. Es más, cada vez es mayor el número de integrantes en este juego catódico que, además, hace tiempo abandonó la intimidad del salón para llegar a todos los rincones del planeta, dispositivos electrónicos mediante.

Así, obras maestras como Breaking Bad, Juego de Tronos, Friends, Los Soprano o The Wire, son accesibles para casi todo el mundo. Series de culto. Obras de arte televisivas. Caramelos catódicos que degustar cuando y como el consumidor quiere.

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¿Cuál es el problema de este buffet libre de series? Las audiencias. Obviamente, si el espectador no tiene que estar a una hora determinada delante de la televisión, para ver su serie favorita, ésta se resentirá en sus audiencias en directo. Como dice José Mota, las gallinas que salen por las que entran.

Con este panorama, parece complicado que alguna serie vaya a romper, a corto plazo, el récord de audiencias que tienen las season finales de algunas series míticas de televisión. Series que han dejado el listón tan alto que ni sumando varias las alcanzarían. Por si alguna se atreve, aquí están los 10 finales más vistos en la historia de la televisión.

10. Enredos de Familia (Family Ties) – 14 de Mayo de 1989

“Alex doesn’t live here anymore” – 36,3 millones de espectadores (NBC) – Durante 7 temporadas, vimos como los Keaton se adaptaban a los nuevos tiempos, dejando atrás su pasado hippie para criar a sus tres hijos. Precisamente, el último capítulo era en el que Alex (un jovencísimo Michael J. Fox) decidía si se iba a Nueva York, por el trabajo de sus sueños, o se quedaba en casa con su familia.

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9. Todo en Familia (All in the Family) – 8 de Abril de 1979

“Too good Edith” – 40,2 millones de espectadores (CBS) – Se emitió de 1971 a 1979 y rápidamente se convirtió en el programa favorito en USA. Siempre estuvo entre los 20 más vistos del año, a pesar de que era considerado incorrecto y ofensivo. Tuvo un spin off, Archie Bunker’s Place, que se mantuvo en antena de 1979 a 1983.

8. La Hora de Bill Cosby (The Bill Cosby Show) – 30 de Abril de 1992

“And so we commence” – 44,4 millones de espectadores (NBC) – A pesar de que Bill Cosby haya caído en desgracia en los últimos años, hubo un momento en que fue el cómico de referencia en todo el mundo. Los Huxtable eran parte de la familia y desde 1984 a 1992, nadie se perdía sus andanzas, en el exclusivo barrio de Brooklyn (Nueva York).

7. Magnum P.I. – 1 de Mayo de 1888

“Resolutions” – 50,7 millones de espectadores (CBS) – Camisas de flores, pelo en pecho, bermudas, gorra de Detroit Tigers y su inconfundible mostacho. Tom Selleck fue el hombre más deseado del mundo durante 8 temporadas, justo las que tardó en descubrir que su benefactor, Robin Masters, y su mayordomo, Jonathan Quayle Higgins III, eran la misma persona. Un descubrimiento que elevó la season finale a los altares de la historia catódica.

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6. Friends – 6 de Mayo de 2004

“The Last One” – 52,5 millones de espectadores (NBC) – Para muchos, la mejor comedia de la historia. Netflix la ha recuperado recientemente, y está funcionando de maravilla, lo cual es sintomático. Diez temporadas perfectas y un final precioso, emotivo, redondo con un Ross excelso y una Rachel más majestuosa que nunca. La escena que nunca olvidaremos (además de la del teléfono) es aquella de Rachel en la puerta. Leyenda.

5. Seinfeld – 14 de Mayo de 1998

“The Finale” – 76,3 millones de espectadores (NBC) – De nuevo Nueva York, esta vez Manhattan, y de nuevo una comedia que elevó el lado absurdo de lo cotidiano a cotas desconocidas hasta ese momento. Nueve temporadas en las que la audiencia no paró de crecer hasta convertir a Jerry Seinfield en un cómico de referencia y multimillonario a quien, por cierto, no le caben su más de 40 coches en sus garajes gigantes. Pobre.

4. The Fugitive (El Fugitivo) – 29 de Agosto de 1967

“The Judgment” – 78 millones de espectadores (ABC) – Richard Kimble convirtió a David Janssen en el hombre más famoso y perseguido del planeta. Durante 4 temporadas y 120 capítulos, huyó de quienes le acusaban de haber matado a su mujer, algo que no había hecho. El último capítulo, por fin, desvelaba la verdad: el Hombre Manco era el culpable.

3. Cheers – 20 de Mayo de 1993

“One for the road” – 84,4 millones de espectadores (NBC) – Lo curioso es que Cheers, donde todo el mundo sabe tu nombre, fue cancelada en su primera temporada, pero recuperada por su potencial. Esta decisión derivó en 11 temporadas, un spin off (Frasier), 28 Emmys y un sitio de lo más especial en el Olimpo de las comedias.

2. Raíces (Roots) – 23 de Enero de 1977

“Part VIII” – 100 millones de espectadores (ABC) – La historia de Kunta Kinte, sencillamente, arrasó en 1977. Sus ocho capítulos (fue una miniserie) están entre los 20 capítulos más vistos de la historia. Pero fue su final el que arrasó por completo, alcanzando, por primera vez en la historia de la televisión, los 100 millones de espectadores. Un hito que nadie había logrado hasta ese momento.

1. M.A.S.H. – 28 de Febrero de 1983

“Goodbye, Farewell and Amen” – 105,9 millones de espectadores (CBS) – Un grupo de médicos militares que atiende a los soldados USA en plena Guerra de Corea tiene, 33 años después de su emisión, el honor de ser la serie con el final más visto de la historia de la televisón. MASH se convirtió en un fenómeno en su época y sólo la intocable Super Bowl se ha atrevido a superar su audiencias. El mundo series, ni se le acerca.

Fotos y vídeo: ABC, NBC y CBS

Dentro de la filmografía de Quentin Tarantino, podemos encontrar géneros como el thriller de acción, la comedia negra, el drama, las artes marciales, e incluso el western, pero no es tan fácil encontrar propuestas suyas en las que el terror sea protagonista.

Le aportó un cierto aire de terror, en medio de la acción y la comedia a Death Proof (2007) e, incluso un poco más, en su trabajo como guionista en Abierto hasta el amanecer (1996), de Robert Rodríguez. Y tiene algún ejemplo mejor en su trayectoria como productor, de donde se pueden rescatar títulos del género como Past Midnight (1991), de Jan Eliasberg; y Hostel (2005) y Hostel 2 (2007), ambas dirigidas por Eli Roth.

Está claro que Tarantino no es un maestro en la materia, aunque sí un gran aficionado, como han contado en su libro Meditaciones de cine, en la que, hace un relato genial y en primera persona de cómo se fraguó el Hollywood moderno, un viaje personal e íntimo por su cine preferido, y en el que confiesa, entre otras cosas, cuáles son las tres películas que más le han traumatizado a lo largo de su vida.

Y hablábamos de terror, pero para traumatizar al alguien no es necesario ni siquiera adentrarse en ese género. Y para muestra, un botón. Tarantino vivió los peores momentos de su vida delante de la gran pantalla con tres películas de las cuáles solo una de ellas es del género del terror, pero en las que existe un claro denominador común, como el mismo destaca: un bosque.

Tres traumas de película

Bambi

La primera de esas películas, como el mismo señaló en una entrevista de 2022 en Los Ángeles Times, es Bambi (1942), el clásico de Disney del que dijo que “es bien conocida por traumatizar a los niños de todas la épocas”.

Según el director y productor de Knoxville, en el momento de la película en el que se produce el incendio forestal y disparan a la madre de Bambi, supuso un terrible ‘shock’ para él. Era solo un niño y, en ese momento, según explicó, le pidió a su madre si podían salir del cine.

“Los disparos del cazador contra la madre y el terrible incendio forestal me afectaron más que cualquier otra de las imágenes que vi en el cine, fue como ver el apocalipsis desde el punto de vista de los animales. El inesperado giro trágico de la película fue lo que me causó tal conmoción. Los anuncios de televisión no resaltaron la verdadera naturaleza de la película. Al contrario, se centraron en las travesuras de los entrañables Bambi y Tambor”, señala en su libro.

Defensa

La segunda película que señala Tarantino es Defensa (1972), una cinta de John Boorman protagonizada por Jon Voight y Burt Reynolds sobre cuatro amigos que deciden pasar un fin de semana en los Montes Apalaches, lejos de sus familias y los problemas de la oficina y quieren bajar en canoa un río que atraviesa un bosque que pronto será inundado para la construcción de una presa. Todo parece ir bien pero, tras una jornada placentera, hasta que el encuentro con los locales convierte la excursión en una angustiosa pesadilla.

“La vi cuando tenía 8 años. Aquí está la cuestión, no solo vi Defensa esa noche, sino que mi madre tenía una cita y me llevó. La vimos en una función doble con Grupo salvaje. Y es una de las mejores noches de cine de mi vida… pero cuando vi Defensa, me asusté muchísimo. Después de verla, por un tiempo, no quise ir a acampar. Porque pensé que eso podría pasarnos. Igual que la gente tenía miedo de la playa después de Tiburón, yo tenía miedo de acampar“.

La última casa de la izquierda

Pero aún hay una tercera, que, en su caso, tuvo un mayor impacto que la segunda y muy similar a la primera, porque, como destaca el realizador estadounidense, es “la única otra película que no pude soportar y por la que tuve que dejar un autocine en Tennessee”.

Hablamos de La última casa de la izquierda, de Wes Craven, un thriller de terror en el que dos adolescentes, Mari y Phylis, quieren celebrar un cumpleaños acudiendo a un concierto de su grupo preferido, Bloodlust, con tan mala suerte que, antes que lleguen a la gran ciudad, son raptadas por un trío de maníacos con un final nada feliz.

Está claro que cada uno tiene sus traumas de la infancia y, muchos de ellos han llegado a nuestras vidas de la mano del cine. Estos son los de Quentin Tarantino… ¿Cuáles son los vuestros?

ANTONIO SÁNCHEZ

Olvidadas, ignoradas o censuradas a lo largo del tiempo, las mujeres también son el sujeto activo de la poesía y no solo su objeto como pretendieron hacernos creer siglos y siglos de machismo cultural bajo el eufemismo “musa”. Eso lo aprendimos de ellas.

Eso lo seguimos aprendiendo de todas esas poetas que cuentan; que defienden su arte y a su género, que no se callan, que se sienten libres para expresar en verso o en prosa poética sus ideas y sentimientos sin trabas, ni en la forma ni en el contenido.

Hoy, Día Mundial de las Escritoras, queremos hacerles un homenaje en forma de recuerdo y compartir algunos de sus escritos más representativos. Porque gracias a estas obras (y a muchas otras con acento femenino) tenemos un motivo de peso para celebrarlo.

1. Gabriela Mistral

Te espero sin plazo ni tiempo.

No temas noche, neblina ni aguacero.

Acude con sendero o sin sendero.

Llámame a donde tú eres, alma mía.

Y marcha recto hacia mí, compañero.

Chile, 1989. Premio Nobel de Literatura y Premio Nacional de Literatura de Chile. Pedagoga, feminista y considerada como una de las figuras más influyentes de la literatura iberoamericana y chilena de todos los tiempos.

2. Gloria Fuertes

Ya ves qué tontería,

me gusta escribir tu nombre,

llenar papeles con tu nombre,

llenar el aire con tu nombre,

decir a los niños tu nombre,

escribir a mi padre muerto

y contarle que te llamas así.

Me creo que siempre que lo digo me oyes.

Me creo que da buena suerte:

Voy por las calles tan contenta

y no llevo encima nada más que tu nombre

España, 1917. Su obra se encuadra dentro de la Primera Generación de Posguerra, la Generación del 50 y el Postismo; y también incluye cuentos infantiles. Castiza, motera, bisexual y pacifista. La editorial Blackie Books acaba de editar El libro de Gloria Fuertes, su “antología de poemas y vida”.

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3. Sylvia Plath

Dying

Is an art, like everything else.

I do it exceptionally well.

I do it so it feels like hell.

I do it so it feels real.

I guess you could say I’ve a call.

Estados Unidos, 1937. Escribió prosa y poemas, erigiéndose como una de las mayores representantes femeninas de la llamada poesía confesional. Tuvo una vida única y una pluma privilegiada. Se suicidó a los treinta años.

4. Alejandra Pizarnik

no sé si pájaro o jaula

mano asesina

o joven muerta jadeando en la gran garganta oscura

o silenciosa

pero tal vez oral como una fuente

tal vez juglar

o princesa en la torre más alta.

Argentina, 1936. Su suicidio a los treinta y seis años no impidió que dejase un gran legado, compuesto por un diario de casi mil páginas, un denso corpus de poemas, relatos, cartas (muchas de ellas dirigidas a Julio Cortázar) y varias novelas cortas. El Surrealismo marcó sus textos. Temas como la infancia, la naturaleza o la muerte se volvieron recurrentes en ellos. La inquietud de formas, propia de la corriente, hizo el resto.

5. Frida Kahlo

¿Se pueden inventar verbos? Quiero decirte uno: yo te cielo, así mis alas se extienden enormes para amarte sin medida. Siento que desde nuestro origen hemos estado juntos, que somos de la misma materia, de las mismas ondas, que llevamos dentro el mismo sentido. Tu ser entero, tu genio y tu humildad prodigiosas son incomparables y enriqueces la vida. Dentro de tu mundo extraordinario, lo que yo te ofrezco es solamente una verdad más que tú recibes y que acariciará siempre lo más hondo de ti mismo. Gracias por recibirlo, gracias porque vives, porque ayer me dejaste tocar tu luz más íntima y porque dijiste con tu voz y tus ojos lo que yo esperaba toda mi vida.

México, 1907. Célebre por su faceta de pintora, la legendaria artista también escribió prosa poética. Hoy, sus creaciones en todos los ámbitos son símbolo de fuerza, valentía y poder: gracias al arte, Frida alcanzó la felicidad dentro de una vida marcada por las enfermedades físicas y las desavenencias sentimentales.

6. Rosalía de Castro

Adiós ríos, adiós fontes;

adiós, regatos pequenos;

adiós, vista dos meus ollos,

non sei cándo nos veremos.

Miña terra, miña terra,

terra donde m’eu criei,

hortiña que quero tanto,

figueiriñas que prantei.

España, 1837. Su poesía es Galicia; Galicia es su poesía. Se la sitúa dentro del Romanticismo tardío. Inició el Rexurdimento Pleno con los Cantares Gallegos. Luchó por escribir en un mundo y en una época donde las letras estaban en su mayoría reservadas a los hombres y lo consiguió.

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7. Marguerite Yourcenar

Tú la avispa y yo la rosa;

tú el mar, yo la escollera;

en la creciente radiosa.

Tú el Fénix, yo la hoguera.

Tú el Narciso y yo la fuente,

en mis ojos tú brillando;

tú el río y yo el puente;

yo la onda en mí nadando.

Bélgica,1947. Escribió, literalmente, de todo, también poemas, hasta el punto de que su obra es una de las más fructíferas de la literatura europea del siglo XX. Le influyeron tanto la Cultura Clásica como la Filosofía. El amor de su vida se llamaba Grace Frick.

8. Elise Cowen

La dama es una cosa sumisa

hecha de agua y muerte.

La moda la viste con sobriedad y

usa su mente para coserle la bastilla.

Estados Unidos, 1933. Una de las grandes (mujeres) olvidadas de la Generación Beat. Se suicidó a los veintiocho años. La mayor parte de sus poemas fueron quemados por un vecino de sus padres para que éstos no se sintieran incómodos por sus referencias a la homosexualidad y las drogas; los ochenta y tres que se conservan los publicó uno de sus mejores amigos, Leo Skir.

9. Anaïs Nin

Yo creo en el fuego. Vida Fuego.

Estando yo misma en llamas enciendo a otros.

Jamás muerte. Fuego y vida.

1903, Francia. Treinta y cinco mil páginas componen sus diarios poéticos. Su obra es visceral, erótica, maldita. Censurada.

10. Emily Dickinson

A word is dead

When it is said,

Some say.

I say it just

Begins to live

That day.

Estados Unidos, 1830. Distinta a todo y a todos. Sus poemas-revolución, a menudo sin título, tienen líneas cortas, rimas imperfectas, puntuación poco clara. A pesar de que los editaron hasta la saciedad para adaptarlos a las normas de su época, siguen siendo prodigiosos. Acabó sus días recluida, en soledad, herida de amor y escribiendo sin parar. O la leyenda.

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MILA GARCÍA