La premisa con la que Steven Spielberg construyó una obra maestra como Parque Jurásico era tan real que millones de personas creyeron que era posible recuperar a los dinosaurios. 

A saber, el ADN de los dinosaurios había quedado atrapado en un mosquito que, a su vez, había sobrevivido al paso de millones de años, metido en una bola de ámbar creada naturalmente. A partir de ahí, clonar dinosaurios fue coser y cantar ¿Es o no es una maravilla? Obviamente, Michael Crichton, autor de la obra en la que se basa la película, también tiene mucho que ver en esta joya del cine contemporáneo.

Bueno, contemporáneo o no tanto, pues Jurassic Park va camino de cumplir 30 años, tras estrenarse en 1993. 

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Lo bueno de esta película es que, por mucho tiempo que pase, mantiene su vigencia y consigue el objetivo que seguro planteó Spielberg desde le principio: hacer que todo el que vea su película, quiera visitar Jurassic Park.

Y por si alguien dudaba si visitar o no el parque, Steven Spielberg tuvo la picardía de colocar a Sir Richard Attenborough como responsable del parque, a Sam Neill y a Laura Dern, como paleontólogo y paleontobotánica y, por si fuera poco, a Jeff Goldblum como agorero temerario de lo que pueda pasar, situándolo junto a un excremento XL de dinosaurio.

Por el amor del Triceratops, si has de jugarte la vida ante unos velociraptors, que sea con este equipo.

Más allá de secuelas más o menos fallidas, la magia de Jurassic Park sigue vigente y el mundo, a pesar de lo peligrosos que eran, sigue ansiando la nueva venida de los dinosaurios. Como ésta jamás llegará, hay que conformarse con lo más parecido que tenemos: Jurassic Park. 

Por cierto, costó 63 millones de dólares, que acabaría convirtiendo en 1.029 millones en taquilla, siendo la película más taquillera de la historia hasta la llegada de Titanic en 1997. Monstruoso.

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Han pasado ya tres años desde que Juego de Tronos se despidiera, con un polémico que final que, eso sí, no empaña la trayectoria de la que ha sido una de las mejores series de la historia.

Una pandemia y varios años después, HBO Max sigue preparando tropecientos spinoff que, a priori, no parecen interesar demasiado al gran público pero que acabaremos consumiendo de forma masiva. ¿Por qué? Porque es HBO y porque es Juego de Tronos. Sello de calidad doble.

Ahora, mientras llega y no llega lo nuevo de Juego de Tronos, no está de más plantearnos un viaje a algunos de los destinos imaginados que nos proponían David Benioff y D. B. Weiss en la serie. Lo bueno es que, a pesar de que puntos como Invernalia o Desembarco del Rey no existen, sí que se rodaron en escenarios naturales y reales, por lo que te vamos a proponer varios puntos para escaparte a lo Jon Snow.

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Invernalia

El primero de todos, por orden cronológico en la serie, es Invernalia. En la residencia de los Stark comienza la trama de la serie, allá por 2011, cuando el mundo aún no sabía lo que se venía encima. Pues bien, quien quiera conocer Invernalia, debería viajar a Irlanda del Norte y al Castillo de Ward, situado a 50 km de Belfast. 

Y ya que te das el paseo, no está de más pasar por el Parque Forestal de Tollymore, donde iban los Stark con sus huargos, antes de diseminarse por los Siete Reinos.

Desembarco del Rey

La visita a Desembarco del Rey, donde estaba el Trono de Hierro, tendrá que contar con dos itinerarios: uno que te lleve a Malta y otro a Croacia. En el caso de Malta, el sitio al que acudir es Mdina, antigua capital del país, y donde tendrás la sensación completa de estar en Poniente, por el estado de conservación de muchos de sus edificios centenarios.

La segunda posta del viaje habrá que establecerla en Dubrovnik, una de las ciudades más hermosas de Croacia. El Fuerte de Lovrijenac y el Trsteno Arboretum te resultarán reconocibles, pues fue donde se rodaron las escenas de la Fortaleza Roja y los jardines de Desembarco del Rey. Una zona embriagadora y bastante menos peligrosa que en la serie.

El Muro

La Guardia Nocturna hacía su labor vitalicia en la gélida Islandia, donde el glaciar Vatnajökull, la capa de hielo más grande de Europa, era el sitio perfecto para recrear el Muro y la estepa en la que los Caminantes campaban a sus anchas.

El Lago Myvatn y el Parque Nacional Skaftafell también fueron escenarios naturales y gélidos de las escenas de la Guardia de la Noche. Pensar en el frío que debieron pasar durante el rodaje, no hace sino valorar aún más la serie.

Dorne

Terminamos el viaje evocador de Juego de Tronos visitando la preciosa, exclusiva y acogedora Dorne. Fue Sevilla la ciudad elegida para recrear una de las localizaciones más imponentes de la serie. El Alcázar de Sevilla y la plaza de Toros de Osuna fueron, durante años, el hogar de la familia Martell o el sitio donde Daenerys comenzó a volar con su inseparable Drogon.

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‘We’re leaving together, but still it’s farewell. And maybe we’ll come back, to Earth, who can tell? I guess there is no one to blame”.

Con más de 35 años, pocas canciones son tan reconocibles desde sus primeros acordes como The Final Countdown, la canción más relevante de Europe quienes, por cierto, eran suecos, para sorpresa de muchos.

Pero volviendo a la canción, ¿es posible que el 90% de españoles que la han cantado, sólo se sepan el estribillo y el tiro riro riiii? Es posible.

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¿Es posible que la historia que cuenta y canta Joey Tempest acerca de la cuenta regresiva final pueda seguir sorprendiendo a mucha gente? Es posible.

Y es que The Final Countdown habla de la cuenta atrás de los últimos habitantes de La Tierra, antes de partir hacia Venus. De hecho, en la segunda estrofa todo comienza con un reconocible “We’re heading for Venus” (Nos dirigimos a Venus) que sólo los que hicieron el curso de inglés de CCC o aprendieron el inglés con 1.000 palabras del señor Vaughan, supieron interpretar.

Pues sí, el destino imaginado que proponía Europe, en primavera de 1986, era un planeta situado a millones de años luz, al que la humanidad se dirigía, sin saber si algún día podría volver a La Tierra.

El grupo de glam rock que arrasaba en el mundo, cantaba una fantasía de ciencia ficción que no todo el mundo pudo entender.

 

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Curiosamente, Elon Musk mediante, parece que la banda sueca no iba desencaminada en cuanto al colapso del planeta y los viajes a Venus. Eso sí, se adelantaron algo en el tiempo y se fueron algo lejos, porque Space X apunta a Marte pero Europe fueron unos visionarios.

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Durante años, la tradición y el folklore ha vendido al mundo que, lo habitual, es que en un armario haya monstruos escondidos que se llevan a los niños y niñas que no se duermen.

Jim Henson llegó a dar una vuelta al concepto y metió en el armario a los Goblins, los trols aliados de Jareth, siempre atentos por si podían llevarse a algún bebé desvalido. Laberinto (1986) es una película maravillosa pero también un generador tremendo de traumas

Y en esas que llegó Disney, allá por 2005, y cambió por completo el concepto del armario tenebroso.

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De la mano de las novelas de C. S. Lewis, adaptó una historia maravillosa en las que uno de los armarios de la casa de los jóvenes protagonistas, llevaba al mágico mundo de Narnia.

Seamos sinceros. A la generación que Las Crónicas de Narnia pilló aún con la imaginación activa, la hizo soñar con un armario mágico con el que evadirse del día a día. Y es que lo bueno de Narnia no es el mundo mágico en sí, sino el concepto de poder viajar a otro sitio, con sólo cruzar el armario.

Ya sea La Manga, Las Vegas, Calatayud, París, Tokyo o el pueblo de tus abuelos, tener un armario que te teletransporte es un lujo que te ahorra horas de viaje, soportar a gente insoportable en aeropuertos, coches, autobuses o trenes y, sobre todo, tener que salir de casa. Queda claro que un armario mágico es el mejor regalo que se le puede hacer a alguien pero ni Amazon los tiene.

Dicho lo cual, esta evocación narniana tiene un duro peaje a pagar. Tan sencillo como echar cuentas y calcular los años que han pasado desde que se estrenó El León, la Bruja y el Armario, la primera película de la trilogía, allá por 2005.

Sí, son 17 años y asumirlo duele aún más que no tener un armario mágico. Aunque no sirva de consuelo, no está de más saber que esta saga tenía previstas siete películas y se quedó en solo tres, ante el batacazo de su última entrega: La Travesía del Viajero del Alba en 2010.

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Hay canciones que te evocan situaciones muy concretas y el clasicazo de Steppenwolf es una de ellas.

Una Harley Davidson de manillar alto, muchas banderas estadounidenses, la Ruta 66 y un viaje sin destino final, con el sonido de la moto como banda sonora y parando en bares de carretera anclados en los años 60, donde te atenderá la siempre amable Doris.

El gran sueño americano convertido en una experiencia motera por la Norteamérica profunda.

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Curiosamente, la canción que originó el sonido heavy metal y con más arraigo estadounidense, tiene su génesis en Canadá. Mars Bonfire compuso el tema para que lo interpretara la banda Steppenwolf, todos con Canadá como patria chica. Seguro que esto, a pesar de los años, sigue siendo una muesca en el corazoncito de los norteamericanos más norteamericanos: Make America Wild Again. 

La canción estaba incluida en el álbum Magic Carpet Ride, de 1968, y un año después pasaría a ser la banda sonora de Easy Rider. Lógicamente, ver a Dennis Hopper y Peter Fonda recorrer EE.UU. con sus Harleys, es una imagen que se queda grabada en la memoria, con Born to be Wild de fondo. Y así ha sido durante más de 60 años y lo que te rondaré morena.

De hecho, para la película, el tema se acompañó de ruido de motos en su inicio. Desde entonces, es imposible escuchar Born to be Wild y no tener la imagen mental de una Harley rugiendo.

Elegida en el puesto 130 de las 500 mejores canciones de todos los tiempo por Rolling Stone, las versiones que se han hecho del temazo son infinitas. INXS, Ozzy Osbourne, Status Quo, Kim Wilde, The Cult, Riot o AC/DC son sólo algunos ejemplos. Un clásico de ayer, hoy y siempre que nos invita a un viaje tan concreto como idílico.

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La saga Poltergeist, que arrasó en la década de los 80, sigue siendo una de las más terroríficas de la historia del cine.

Carol Anne, Tangina, la luz, los payasos, el reverendo Henry Kane y las televisiones que se encendían solas, dejaron a toda una generación traumatizada e incapaz de dormir tranquila por las noches.

La saga tuvo su punto final con una tercera entrega, estrenada en 1988, que estuvo marcada por dos hechos. El primero y más duro, el fallecimiento de la joven protagonista de la saga, Heather O’Rourke. La actriz, a sus 12 años, fue erróneamente diagnosticada con la Enfermedad de Crohn, cuando lo que en realidad tenía esta una estenosis intestinal aguda.

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A pesar de llegar a grabar casi toda la película, fallecería poco antes de terminar el rodaje, a los 12 años. A raíz de su muerte, se desarrolló la Maldición Poltergeist, en la que varios de los intérpretes que habían aparecido en la saga, fallecieron de forma prematura.

La muerte de la joven actriz fue un shock para Hollywood, pero no impidió terminar la película y que ésta nos lleve al segundo hecho relevante de la película: su trama de los espejos.

Quien no lo recuerde, la trama transcurre en un rascacielos de lujo, donde los Freeling mandan a Carol Anne, para pasar una temporada con Pat, la hermana de Diane y madre de la niña. A pesar de la huida, el Reverendo Henry Kane encuentra a la niña e intenta capturarla. Para hacerlo, usa el reflejo de los espejos para crear alter egos de los protagonistas que se intercambian con ellos en la vida real.

Algunas escenas, en la que los protagonistas tienen las letras de la ropa al revés, mientras que en el espejo se ven bien, son tan sencillas como escalofriantes. Y obviamente, el destino imaginado al que nos referimos, es el limbo al que se van los personajes reales, al ser intercambiados.

No sólo los espejos hacen las veces de puntos de atrapado, sino que los charcos, que también reflejan, sirven para hacer intercambios. Sin duda, una original forma de rematar una saga terrorífica y hacer que millones de personas se queden en la parte central del ascensor, rezando para que su imagen no intente atraparles. Y esto, si alguien busca foros específicos de la película, ha pasado.

¿Quién dijo que los destinos imaginados tenían que ser siempre lugares felices?

Foto: MGM

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“Tonight I’m gonna have myself a real good time
I feel alive
And the world I’ll turn it inside out, yeah
I’m floating around in ecstasy
So, (don’t stop me now) (Don’t stop me)
‘Cause I’m having a good time, having a good time”

Grabada en 1978, lanzada en enero de 1979 y, más de 40 años después, sigue siendo una de las canciones más buenrolleras, animosas y bailables de la historia.

Dos segundos son necesarios para reconocer el memorable Don’t Stop Me Now, de Queen e imaginarla como banda sonora de una aventura a cualquier sitio.

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Sin duda, la voz de Freddie Mercury de fondo es la mejor forma de empezar un viaje en un coche descapotable, al que saltamos sin abrir la puerta y que afrontamos con el coche lleno de amigos.

¿Ibiza? ¿Montecarlo? ¿Las Vegas? ¿Matalascañas? Todo vale para Don’t Stop Me Now, Es lo bueno de los himnos, que nadie se los puede apropiar. Igual que tu destino puede ser un hotel top de Manhattan, también puede ser una casa rural de Segovia. En ambos casos, la voz de Freddie Mercury será parte capital del arranque de un viaje memorable.

Y si quieres una prueba de que Don’t Stop Me Now es perfecta para viajar, no hay más que echar un ojo a la cantidad de veces que se ha usado en cine, en publicidad o en bodas, bautizos y comuniones.

 

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Al final, la canción es un canto a la fiesta, a pasarlo bien, a disfrutar y a compartir y justamente eso es viajar. En este caso, acompañados. Para los viajes en solitario, conviene una música más introspectiva.

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Hablar de Jumanji implica esbozar una sonrisa por dos motivos. El primero, obviamente, Robin Williams. Un genio de Hollywood que se fue demasiado pronto. El segundo, por ser una de esas películas que gusta a todo el mundo. Y ojo, se estrenó allá por 1995. Ha llovido.

Obviamente, no queremos desmerecer las dos estimables secuelas de 2017 y 2019, donde The Rock, Karen Gillan, Nick Jonas, Jack Black o Kevin Hart lucen a la altura de lo esperado. Pero no es lo mismo.

Hablamos de Destinos imaginados y fue la película original la que consiguió crear un destino imaginado que puede estar en el salón de cualquier casa. La magia de Jumanji era que el universo salvaje que desataba, comenzaba lanzando un dado en el tablero y, a partir de ahí, a jugar a una suerte de Oca Extrema en la que cada tirada llevaba a los jugadores a apostar su vida.

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Por si alguien no lo recuerda: mosquitos gigantes, monos, leones, plantas venenosas, un cazador implacable, cocodrilos, arenas movedizas o arañas gigantes eran sólo algunas de las consecuencias de cada tirada.

Y todo sin salir de casa, salvo cuando tocaba huir para salvar la vida propia.

Está claro que Jumanji dejaba a juegos como El Cluedo, La Herencia de Tía Agatha o Tozudo a la altura del betún.

Ahora, lo que soñaba todo el mundo que viera la película, era poder jugar a Jumanji con Alan Parrish, el personaje al que daba vida Robin Williams. El actor tenía la capacidad de dar humanidad a todo lo que tocaba, a pesar de vivir atormentado durante décadas. Y eso es lo que le hacía tan especial y lo que llevó a medio mundo a sentir su muerte como la de un familiar cercano.

Por eso, y por otras muchas cosas, Jumanji es mucho más que un Destino Imaginado, es el sitio donde reencontrarse o conocer a Robin Williams siempre será posible

Foto: Columbia/TriStar Pictures

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Es muy duro, para quienes hemos sido fans de Roxette, recordar una de sus canciones más legendarias y, al segundo, caer en la cuenta que jamás volveremos a escuchar a Marie Fredriksson interpretarla en vida.

La cantante del dúo sueco fallecía el 9 de diciembre de 2019, antes de la pandemia, dejando claro lo rápido y frugal que es el tiempo. Eso sí, en el caso Roxette, el legado musical que ha dejado, perdurará durante décadas, especialmente su Sleeping in my Car, una canción que desde el título, ya invita a viajar en plan aventura.

Por letra, por ritmo y por todo, Sleeping in my car es de esos temas que casi obliga a coger el coche, camino a ninguna parte, pero en compañía de esa persona con la que harías una locura tipo: “¿Nos vamos a comer una paella a Alicante, nos bañamos en la playa y nos volvemos?”.

La canción habla de conducir toda la noche, “sólo para estar cerca tuyo” y, obviamente, rematar la velada en la parte trasera del vehículo. De lo más incómodo del mundo pero siempre socorrido.

Obviamente, el escenario idílico en el que realizar una escapada con esta canción serían las calle de Malibú, con un descapotable y terminar la noche aparcados junto a la playa, viendo el amanecer e ir al trabajo sin dormir. Lo de ir a trabajar le aporta el punto realista a la historia.

Independientemente de estar en Malibú o en Salobreña, lo cierto es que Sleeping in my car es una de esas canciones que te da un chute instantáneo de energía. Una canción que insufla buen rollo, ganas de hacer cosas y que no debe faltar en la banda sonora de cualquier viaje que se haga, aunque sea al pueblo de al lado.

Sleeping in my car fue el single de lanzamiento de Crash! Boom! Bang!, el quinto álbum de Roxette. Curiosamente, esta canción, que combina con maestría el pop rock y el punk rock, fue creada por Per Gessle, el otro 50% del dúo sueco, en menos de una hora. El resultado fue un pelotazo tremendo.

Como dato, el alto contenido erótico festivo de algunos pasajes, hizo que las autoridades chinas pidieran a Roxette censurar y cambiar algunas partes de la canción, como condición para dar su concierto en el país, allá por 1995. ¿Qué pasó? Que cambiaron de opinión y cantaron la versión original, dejando claro que no sólo sus temas eran salvajes.

Por cierto, si estabas buscando canciones nuevas para tu playlist del gym, aquí tienes una perfecta. Por cierto, en directo eran una absoluta locura.

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Parece que coinciden las opiniones de diversos medios y, para colmo, se habla de una colaboración de Rauw Alejandro con Rosalía así que tenemos a artistas portorriqueño en el candelero y su hit Todo de ti como canción del verano 2021. ¿Y? Pues nada, que es lo que hay. ¿Nos gusta? ¿Nos disgusta? Hombre, no es Despacito, que contenía un elemento indefinible para atrapar de inmediato al oyente. Latina y bailable, claro.

Con su convencionalismo y su puntito machista quizás.

Más de lo mismo.

En fin, juzgue cada cual.

Es lo que hay. Todo de ti se ha convertido no sólo en la canción del verano, sino en la más escuchada en Spotify en nuestro país y en Youtube acumula más de 315 millones de visualizaciones. Locura absoluta.

Pero si vemos las otras canciones que completan el podium empezamos a entenderlo todo. Yonaguni, del también puertorriqueño Bad Bunny en segunda posición y Qué Más Pues, colaboración del colombiano J Balvin y la argentina María Becerra en el tercer lugar.

Pero no sólo en España triunfa Todo de ti, ya que a nivel internacional también se ha colado en el ranking, ocupando la tercera posición en la lista de los temas más escuchados en Spotify en todo el mundo.

Y eso que sobre Rauw Alejandro hay quien ha querido lanzar la sombra de la duda. Su gran hit ha sido señalado en redes sociales como muy (demasiado) parecido a Big Girls Don´t Cry de Fergie. Mmmmm… Es verdad que el estribillo….

El tema de Fergie es más lento que el de Rauw Alejandro, pero no se puede negar un cierto parecido melódico, ¿no? Ni Fergie y Raw Alejandro han dicho nada al respecto así que admitamos un parecido casual y que siga la fiesta.

Por cierto, que Raw Alejandro vuevle a aparecer en el ranking de lo más oído de Spotify en quinta posición, junto a Marc Seguí y Pol Granch (Élite) con su remix de Tiroteo.

No hay duda de cuál es la tendencia dominante en la música comercial actual. 

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