Fue en marzo de 2002 cuando se estrenó el capítulo piloto de la serie The Shield: Al margen de la ley, una ficción que marcó un antes y un después en la historia de la televisión.

¿Y por qué? Porque hasta ese momento, la policía era retratada como un dechado de virtudes, que luchaba por la justicia pero siempre en el lado bueno de la balanza y en The Shield, sus protagonistas a veces saltaban la línea para conseguir sus objetivos.

¿Y cómo lo hacían? Recurriendo a la violencia, a la extorsión y a cualquier tipo de estratagema ilegal para cumplir con su trabajo.

Juzgue cada cual la moralidad de algunos planteamientos (y aceptamos que ya existió Canción triste de Hill Street, pero aquello era otra cosa, tan 80 -y casi 70-).

Lo que iba a ser una sitcom policial como cualquier otra, terminó dando lugar a un drama cruento inspirado por los escándalos de corrupción de la Policía de Los Ángeles. Y ya nos daba pistas el día de su estreno, arrancando cuando el capitán del departamento intentaba exponer los crímenes de este equipo de detectives al incluir un nuevo miembro… aunque Vic Mackey, jefe de este grupo de asalto, utilizaba como tapadera una redada antidrogas para asesinar al nuevo detective y librarse del topo.

Shawn Ryan, creador de la serie, confesó que la trama de The Shield surgió de casualidad, cuando se estaba documentando para los guiones de otra ficción. “Fue un milagro, nunca debería haber ocurrido. El guión estaba por casualidad en una montaña con otros guiones. Cada página era electrizante. Cuando llamé a Shawn [Ryan] para decirle que queríamos hacer su piloto, pensó que estábamos de broma”, dijo Peter Liguori, el antiguo presidente de FX.

El piloto fue un éxito y así comenzaba una serie que duraría siete temporadas, siempre con tramas crudas y políticamente incorrectas. De hecho, su capítulo final está considerado como uno de los mejores de la televisión: “Vi muchísimos finales de grandes series, de los aclamados y de los ridiculizados. Me interesaba ver cómo ciertas series icónicas elegían cerrar las cosas.”, explicó el creador de la serie. “De lo que me di cuenta es que a menudo los que fallaban lo hacían porque intentaban hacer algo muy diferente a su núcleo. Así que lo primero que dije es que simplemente íbamos a hacer otro episodio“.

Y así decíamos adiós a Vic Mackey y su gente, seis años después de su estreno. Terminaba una serie y comenzaba un mito.

SARA FLAMENCO

Michael Ironside es ese actor que todo el mundo conoce pero del cual casi nadie sabe su nombre.

Es más, Michael Ironside es ese actor al que sólo se le conocen papeles de villano y que, más allá de ‘V’, y quienes se acuerden de la serie, cuesta dar con otro proyecto en el que haya aparecido. 

Y es curioso porque, a sus 75 años, este canadiense lleva 50 de ellos dedicados a la interpretación y, según iMDB, acumula 284 títulos como actor entre cine y televisión.

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Sí, es una locura que arroja una media de casi 6 proyectos anuales. De hecho, su filmografía es de estas que te pones a mirar en el ordenador o el móvil y no parece terminar nunca.

Pero, ¿cuál es el secreto para llegar a tener una carrera tan prolífica en Hollywood? Para empezar, ser buen actor y Michael Ironside lo es. Además, tener cara de vinagre siempre ayuda. Al final, gente guapa siempre va a haber en Hollywood, pero tipos con cara perpetua de villano hay pocos y Michael Ironside lo lleva siendo desde los 70.

Por otro lado, el actor nunca se ha comprometido con proyectos de larga duración. De hecho, las series en las que más tiempo ha estado han sido V (1984), Seaquest (1995) o Young Blades (2005), en las que ha estado 13 capítulos. El resto de ficciones en las que ha participado, han sido papeles episódicos, miniseries y personajes con apariciones muy puntuales.

En lo que respecta al cine, la realidad es que Michael Ironside ha combinado películas legendarias con algunos proyectos que no conoce ni el Tato, con mayoría de los segundos. A pesar de ello, el actor puede presumir de haber aparecido en cintas como Top Gun (1986), Desafío Total (1990), Los Inmortales II (1991), Starship Troopers (1997) o El maquinista (2004). 

Ahora, quien eche un vistazo a su filmografía, además de echar media tarde, comprobará que la mitad de esos 276 títulos que acumula, y sumando, ni le sonaban.

Por cierto, a día de hoy, Michael Ironside ya tiene seis proyectos en post producción y otros tres en pre producción. Está claro que su objetivo es emular a Leónidas y llegar a los 300. Y a este paso, llegará en 2023.

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Comenzaba el año 2015 y en las primeras semanas, un anuncio hacía tambalearse una de las series más exitosas del momento: Dafne Fernández abandonaba El Chiringuito de Pepe, tras arrasar en su primera temporada, con un 21,2% de cuota de pantalla y una media superior a 3,6 millones de espectadores. Cifras que, por cierto, ahora Telecinco daría lo que fuera por alcanzar.

Dafne Fernández era una de las protagonistas indiscutibles y su química con Santi Millán, uno de los grandes reclamos. Pero, cuestiones económicas, según se filtró en aquel momento, apartaron a la actriz de un proyecto que no duraría más allá de su segunda temporada.

Han pasado diez años y Dafne Fernández hace tiempo que confirmó el verdadero motivo de su salida de la serie: la brecha salarial con sus compañeros actores.

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Fue en Papel, donde la actriz respondió a una pregunta directa: “¿Te pagaban menos que a tus compañeros hombres?“. Su réplica fue clarísima: “Sí, fue por eso, sí“.

Lejos de lo que se publicó en 2015, Dafne Fernández aseguraba que no pidió cobrar más, sino lo que había acordado con la productora. “Era mentira. Yo nunca pedí más, sólo pedí lo que me habían asegurado que me iban a dar y nunca me dieron pero a mis compañeros hombres sí“, recuerda. Compañeros hombres entre los que se encontraban Santi Millán, Jesús Bonilla o El Langui.

La actriz se plantó y lanzó un órdago a la productora. “Dije que no seguía si no me pagaban como a los hombres y ya está“. Eso sí, el órdago le salió caro. “No acepté aquello, me la jugué y estuve castigada un tiempo. No sólo castigada, sino teniendo que leer todo tipo de artículos contando mentiras sobre mí, sin que nadie me llamase jamás para confirmar si era cierto o no y qué había pasado de verdad. Pero, ¿qué haces contra eso? Callar, seguir y ya está”, asegura.

Y es que, a pesar de lo duro de aquella etapa, Dafne Fernández se reafirma en sus acciones e ideales. “Yo no puedo cambiar el mundo, sólo puedo cambiar pequeñas cosas y eso es lo que he intentado. Al menos, no ceder con lo que creo injusto”.

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¿Echar la vista atrás es bueno a veces? (Uuuuhhhh). Según dónde miremos.

En el caso de algunos famosos, curiosamente, el tiempo ha sido generoso con ellos.

Algunos se han convertido en leyendas, otros se mantienen inalterables al paso de los años, incluso algunos están mejor que antaño.

La pregunta es: ¿serás capaz de reconocer a estas estrellas de Hollywood de jóvenes? Es fácil y no. Por ejemplo, este intento de seducción, a medio camino entre foto de Comunión y Cowboy de Medianoche está fechado en 1978. ¿Adivinas?

Pues sí, las gafas que inspiraron a Tom Cruise en Top Gun, una década más tarde, pertenecían a un Steven Spielberg de 32 años quien, a día de hoy, además de dominar Hollywood, puede presumir de mantener pelazo.

Vale que ésta es fácil pero, aunque no lo parezca, la foto es de 2001. Es decir, la conocida y reconocible chica de la foto tenía 17 años.

La Pesadilla de Susi (An American Rhapsody) era la undécima película de una Scarlett Johansson que ya empezaba a sonar, y mucho, en los mentideros de Hollywood.

En este caso no hay debate. Es uno de los tipos más guapos de la historia del cine y en esta foto de 1955 lo demuestra con creces. Apenas 18 años tenía por aquel entonces.

Han pasado casi 70 años desde aquella foto y Warren Beaty conserva la esencia y elegancia de aquel Old Hollywood que nunca volverá.

Podría ser la protagonista de una series española de los 70 pero es una de las actrices más relevantes de finales del siglo XX. ¿La reconoces? No, no es Amparo Muñoz.

Susan Sarandon cumplirá 78 años en octubre y entre el blanco y negro y la pose, parece más joven en la foto actual.

Vale que la foto no es la mejor pero eso, en Hollywood, es algo que también se aprende: jamás pongas la cara así porque siempre habrá una cámara que te capte el momento. Sin duda, ha aprendido la lección.

Sacar mal a Ryan Gosling en una foto en la actualidad es complicado. De hecho, sacarle una foto ya es complicado.

Fácil, ¿no? Tenía 16 años cuando se convirtió en una estrella global, de la mano de una película capital. Corría el año 1986.

Han pasado 38 años pero Jennifer Connelly mantiene esa mirada que combina lo angelical con lo intimidante.

Viajamos a 1993 y encontramos a un joven australiano que bien podría haber liderado alguna banda grunge del momento.

Más de tres décadas, un Oscar y muchas subidas y bajadas de peso por guión después, poco queda de aquel dicharachero Russell Crowe de principios de los 90.

Esta no es fácil. O sí. Lo cierto es que esta foto fue tomada en Reino Unido, allá por 1969. Por aquel entonces, esta joven londinense tenía 24 años.

El tiempo y Hollywood no han hecho sino confirmar lo que ya se sabía de facto: Helen Mirren es la auténtica reina de Hollywood.

Año 1988 y sí, es él. ¿Y el que está a su lado? Sí, también es él. Por cierto, Nueva York. Uno tenía 25 años. El otro, 19.

Inconfundible el flequillo ochentero y noventero de Johnny Depp. Historia de Hollywood, le pese a quien le pese.

Sí, el amigo de Johnny Depp en al foto no es otro que el malogrado Matthew Perry quien, a los 19 años, ya era de sobra conocido en Hollywood. Hubo vida antes de Friends, aunque el alter ego de Chandler también encontró la muerte antes de tiempo.

Que si The Wire. Que si Los Soprano. Que si Hermanos de Sangre. 

El debate sobre cuál es la mejor serie de la historia ha sido, es y será eterno. Imposible llegar a un acuerdo.

Ahora, si viene Sir Anthony Hopkins, un tipo con dos Oscar, el respeto de todo el mundo y una leyenda de Hollywood, y te dice que Breaking Bad es lo mejor que ha visto en su vida y que Bryan Cranston es un genio, habrá que darle algo de credibilidad

Y la realidad es que Anthony Hopkins lo hizo. Y lo hizo mediante una carta sincera de admiración que remitió al alter ego de Walter White. Fue tal el impacto de Breaking Bad en Anthony Hopkins, que no dudó en mandar un mail a su compañero para darles las gracias.

La misiva fue publicada por Steven Michael Quesada, Steven Gómez en la serie, en su cuenta de Facebook allá por 2013.

 

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La carta arrancaba con Anthony Hopkins reconociendo haber hecho un maratón sensacional de Breaking Bad durante dos semanas. Y a partir de ahí, los halagos.

“Nunca he visto nada parecido. Es brillante. Tu actuación como Walter White es la mejor que he visto nunca. Absolutamente asombroso”, asegura el oscarizado actor.

Y lo mejor es que la carta no queda sólo en alabanzas a Bryan Cranston. Sir Anthony Hopkins reconoce la labor de todos sus compañeros.

“Si alguna vez tiene la oportunidad, podría dar mi admiración a todos (Anna Gunn, Dean Norris, Aaron Paul, Betsy Brandt, R.J. Milte, Bobo Odenkirk, Jonathan Banks, Steven Michael Quesada) a todos. Todos ofrecen una clase magistral de interpretación“, señalaba.

El motivo de la misiva es que, de la mano de Heisenberg, Anthony Hopkins había recobrado la confianza en el cine y la televisión. “Este tipo de trabajo es raro y cuando ocurre, como en este épico trabajo, restaura la confianza“.

Y para terminar, dos detalles curiosos. El primero, cómo se reafirma en que Bryan Cranston es un “gran, gran actor”.

Y para terminar, su despedida como Tony Hopkins.

Un genio.

Si alguno pensaba que los live action de series de anime no funcionaban, se equivocaba. One Piece ha hecho bueno el dicho de “a la tercera va la vencida” y, tras los fracasos de Cowboy Bebop y Death Note en Netflix, la adaptación de la obra de Eiichirō Oda ha irrumpido por todo lo alto y batiendo récords.

Y es que, la nueva serie, que se estrenó el pasado 31 de agosto, ha derribado el récord que hasta ahora mantenían Miércoles y la cuarta temporada de Stranger Things, y es el de ser número uno entre lo más visto de la plataforma en su primer fin de semana en 84 países a la vez, uno más de lo que consiguieron las otras dos…

Luffy y compañía han logrado captar la atención del mudo entero y convertirse en un fenómeno de masas. Pero hay un personaje sobre el que se está hablando mucho desde que apareció en el segundo episodio de la serie y que, sorprendentemente, se ha convertido en el más popular entre los fans, por encima incluso de su flamante protagonista: el payaso Buggy.

How can you not love this clown 🤡 #ONEPIECE #OnePieceNetflix #buggy pic.twitter.com/WYbtMXzzn7

— ONE PIECE(ワンピース) Netflix (@onepiecenetflix) September 3, 2023

¿Y cuál es la razón de que todo el mundo esté hablando de él y se haya convertido en el personaje de la serie desde la emisión del segundo episodio de la serie? La respuesta es sencilla: el cambio que le han dado del original (el del anime) al que ahora podemos ver en pantalla, dándole un mayor estatus y tornándolo en una versión mucho más siniestra…

¿Y quién es el payaso Buggy?

En la serie original, Buggy, ‘el Payaso Estrella’ es el capitán de los Piratas de Buggy, una poderosa organización pirata, además de uno de los Cuatro Emperadores que rigen los mares del Nuevo Mundo y antiguo Señor de la Guerra que es capaz de separar las partes de su cuerpo para luchar contra sus enemigos.

Es, además, el principal antagonista del arco de la ciudad Orange y puede considerarse el antagonista secundario del arco de Loguetown, siendo uno de los antagonistas centrales de la saga del East Blue, lo que, con el tiempo, hizo que se convirtiera en un personaje muy recurrente.

Aunque en un principio parece un pirata verdaderamente cruel con un odio infinito hacia Luffy, en el fondo es un tipo piadoso a la par que gracioso. Su lado cómico hace, de hecho, que, en muchas ocasiones, acabe siendo objeto de burla, alejándose de ser una amenaza real para los protagonistas de la historia.

Sin embargo, para el live action de Netflix, al personaje de Buggy -al que da vida el actor Jeff Ward- le han dado una vuelta para convertirlo en un enemigo malvado, más intimidante, más oscuro y tenebroso, sin dejar de lado su faceta cómica para hacer alguna que otra gracieta.

En su cuenta oficial de X.com (antes Twitter) hacían una publicación sobre el impacto que Buggy ha tenido sobre los fans con una pregunta retórica para ellos… “¿Lo he escuchado bien? ¿De verdad os atrae Buggy?”.

Did I hear that right? Are you legit lusting for Buggy? 😂 pic.twitter.com/iv5TnZs0NR

— ONE PIECE(ワンピース) Netflix (@onepiecenetflix) September 2, 2023

Pero no ha sido la única publicación en la red social. Aprovechando el tirón, han hecho otras tantas publicaciones. Una de ellas con escenas de la batalla entre los protagonistas y Buggy preguntando a los fans por su momento favorito del segundo episodio y destacando que “puede que sea un payaso pero no está bromeando…”.

He may be a 🤡 but he’s not clownin’ around. The Straw Hats vs. The Buggy Pirates is a truly iconic showdown. What was your favorite moment from episode 2? #OnePieceNetflix pic.twitter.com/FoPOjtRqWS

— ONE PIECE(ワンピース) Netflix (@onepiecenetflix) September 4, 2023

También nos han regalado un momento detrás de las cámaras para ver cómo el equipo de maquillaje convierte a Jeff Ward en el payaso del momento…

The Clown Prince of ONE PIECE, Jeff Ward’s transformation into Buggy, is now forever tattooed in my brain. #OnePieceNetflix pic.twitter.com/FRyn84QHwL

— ONE PIECE(ワンピース) Netflix (@onepiecenetflix) September 5, 2023

Jeff Ward, el actor detrás de Buggy

A punto de cumplir 37 años (será el 30 de diciembre), Jeff Ward parece que le ha caído uno de los papeles de su vida con One Piece cuando nadie lo pensaba…

El actor estadounidense comenzó a trabajar de forma regular dentro del mundo de la interpretación en 2011 en películas para televisión, pero no sería hasta 2017 cuando consiguió el papel por el que, hasta ahora, es más conocido, el de Deke Shaw en la serie de la ABC Agents of S.H.I.E.L.D, que interpretó a lo largo de 45 episodios hasta 2020.

Desde entonces, lo hemos visto en otras tantas series como Hacks, Nuevo sabor a cereza y PEN15, tres producciones poco conocidas y en las que no ha tenido un papel preponderante. Ahora Buggy se ha cruzado en su vida y veremos si no le sirve para darle un importante espaldarazo de cara al futuro de su carrera…

En cuanto a la serie, parece que han acertado con el cambio y que Buggy y ese será uno de los grandes reclamos para que siga siendo todo un éxito como hasta ahora. Veremos qué nos depara el paso de los episodios y si, como en el anime, el payaso del que todos hablan acaba convirtiéndose en un personaje recurrente. De momento, con lo poco que hemos visto de él, ya nos hemos quedado impactados…

ANTONIO SÁNCHEZ

Ya podemos sentir su aliento muy de cerca una vez más, como si fuéramos la mismísima Ellen Ripley en la tercera entrega cinematográfica de Alien. Y es que el monstruo asesino más sanguinario de todo el universo pronto estará de vuelta. ¿Estáis preparados para ello?

Regresa por novena vez -tras ocho películas-, pero esta vez lo hará en formato serie y de la mano de Noah Hawley, creador de otras exitosas producciones para televisión como The Unusuals, Fargo o Legion, y que, ahora, se pone el mono de trabajo para continuar con la saga creada por Ridley Scott y H.R. Giger y que nació hace ya 44 años, allá por el lejano 1979.

La serie se une, por cierto, a la próxima película basada en el xenomorfo, prevista para estrenar en 2024 y en pleno proceso de producción de la mano del director uruguayo Fede Álvarez (No respires, Posesión infernal) y que llevará por título Alien: Romulus.

En las mismas se encuentra la serie de Hawley, cuyo estreno se espera para el próximo año y que podremos ver en la plataforma Disney+ con un rodaje que se alargará durante todo el 2023, según confirmó a Deadline el jefe del canal FX Network, John Landgraf.

Unos cuantos años antes de Ripley

El propio Landgraf ya ha dado algunas pistas sobre el argumento y el momento en el que nos situará la nueva serie de Alien. Según sus palabras, “Tiene lugar antes de la aparición de Ripley” y apunta que “es la primera historia que tiene lugar en la franquicia de Alien en la Tierra” y lo sitúa “casi al final de este siglo (el XXI), así que dentro de unos 70 años”.

Y el jefe de FX lo recalca para que nos haya dudas… “Ripley no será parte de él, como tampoco lo será ningún otro personaje de Alien que no sea el propio alienígena”.

Por su parte, Hawley también ha dejado escapar algunas pequeñas pildoritas. En una entrevista para la revista Vanity Fair también destacó que “la serie es una historia que se desarrolla en la Tierra. En las historias de Alien siempre están atrapados… en una prisión, en una nave espacial… Y he pensado que sería interesante abrirlo un poco para que aquello que está en juego de “¿Qué pasa si no puedes contenerlos?” sea más inmediato”.

Luchas entre corporaciones y desigualdad

Según apuntó el director, tendrá un guion complejo y oscuro, en el que los monstruos no son las principales amenazas y en el que las corporaciones tienen aún más peligro que los propios aliens.

Destaca también que, como sus predecesoras, es “en cierto nivel, también es una historia sobre la desigualdad“, donde “también veremos a personas a las que están enviando y así verán lo que sucede cuando la desigualdad con la que luchan no se resuelve. (…). Está en la línea de lo que le decía Sigourney Weaver a Paul Reiser: “No sé qué especie es peor”.

 

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En otra entrevista a Esquire, Hawley dio más detalles: “Lo podría describir como una historia que relataría la guerra de Edison contra Westinghouse y Tesla. (…) Alguien va a monopolizar la electricidad. Simplemente no sabemos cuál es. En las películas, tenemos a la corporación Weyland-Yutani, que claramente también está desarrollando inteligencia artificial, pero ¿qué pasa si hay otras compañías que intentan ver la inmortalidad de una manera diferente, con mejoras cyborg o descargas transhumanas? ¿Quién va a ganar esta guerra comercial?“.

Sydney Chandler será la protagonista

El pasado mes de mayo ya se dio a conocer quién será la ‘Ripley’ de esta historia. Se trata de la joven actriz de 27 años Sydney Chandler, a la que hemos visto recientemente en el papel de Violet en la película No te preocupes querida, bajo las órdenes de Olivia Wilde.

 

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Será una gran oportunidad para seguir creciendo en el mundo de la interpretación, del que ha mamado desde pequeña -su padre es el actor Kyle Chandler-, y que comenzó en 2016 con su trabajo en The Golden Run y que ha llegado a su punto álgido junto a Wilde, además de con la miniserie británica Pistol (2022).

En cuanto al resto del reparto, también se ha anunciado que a Chandler la acompañarán en su aventura Samuel Blenkin y Alex Lawther, dos actores a los que ya hemos visto en acción en la serie Black Mirror. Y ahí queda la cosa de momento, así que tocará esperar a próximas noticias que vayan llegando sobre la serie.

Una saga histórica

Desde que arrancara su periplo de la mano de Ridley Scott en 1979 y con Sigurney Weaver como gran estrella en el papel de Ellen Ripley, han sido un total de ocho las películas que hemos visto de los xenomorfos.

Tras esa primera entrega, que llevaba por título Alien: el octavo pasajero, llegarían Aliens: el regreso (1986), dirigida por James Cameron; Alien 3 (1992), dirigida por David Fincher; Alien: resurrección (1997), con Jean-Pierre Jaunet a los mandos; Alien vs Predator (2004), tremenda lucha de superasesinos intergalácticos dirigida por Paul W.S. Anderson; Alien vs Predator: Requiem (2007), con los hermanos Strause en la realización; y Prometheus (2012) y, finalmente, Alien: Covenant (2017), de nuevo con Ridley Scott en ambos filmes.

Ahora toca continuar, aunque sea echando la vista atrás hacia el pasado. La serie de Alien (junto a Alien: Romulus) será una buena manera de ver el estado de salud de una saga que sigue ahí provocándonos los peores miedos más de 40 años después de llegar a nuestra vidas…

ANTONIO SÁNCHEZ

Tras disfrutar de su trabajo en el papel de Bárbara Rey en la serie de Atresmedia Cristo y Rey, pronto podremos ver a Belén Cuesta en nuevos proyectos, otra vez en series, pero esta vez de la mano de Disney+.

En boca de todos está la miniserie Balenciaga, la primera producción española de la plataforma creada por Jon Garaño, Aitor Arregui, José María Goenaga y Lourdes Iglesias, en la que la actriz sevillana tendrá el papel de Fabiola de Mora y Aragón antes de convertirse en Reina de Bélgica, pero hay otra serie por la que la actriz también está de actualidad: Las largas sombras.

Y es que la serie dirigida por Clara Roquet, cuyo rodaje finalizó hace menos de un mes, el 27 de junio, es una nueva apuesta de Disney por las producciones españolas y en la que podremos ver también a Belén Cuesta, excelentemente bien acompañada además por otras grandes actrices como Elena Anaya, Irene Escolar o Marta Etura, entre otras.

Un producción que está basada en la novela homónima de la escritora Elia Barceló y que destila feminismo por los cuatro costados, con un equipo eminentemente femenino tanto delante como detrás de las cámaras.

Un thriller dramático y femenino

En Las largas sombras nos encontramos con un interesante thriller dramático y femenino en el que se hace un reflexión sobre el peso de la culpa y cómo evoluciona la amistad de un grupo de amigas con el paso de los años.

Cuenta la historia este grupo de mujeres cuyas exitosas y estables vidas se ven sacudidas de golpe por la aparición del cuerpo de una de sus compañeras de instituto, que desapareció durante el viaje de fin de curso que hicieron veinte años antes a Mallorca.

Con motivo del final de su rodaje, Disney+ ofreció una serie de imágenes de cómo han ido las grabaciones, con declaraciones de su directora, Clara Roquet que, además, se estrena en esto de las series con Las largas sombras. después de su opera prima, la película Libertad (2021):

Un rodaje, el de esta primera temporada de la serie que se ha prolongado a lo largo de 13 semanas y que ha tenido como escenarios distintas localizaciones de la Comunidad Valenciana, como las ciudades de Elda, Benidorm, La Falla de Moraig, Denia y Altea, además de Madrid.

Mujeres al poder

Ya lo hemos dicho, las mujeres son cien por cien protagonistas de esta nueva serie española y es que, sin contar con un elenco eminentemente femenino y el estar basada en una obra literaria de una mujer, cuenta con ellas liderando prácticamente todas las áreas de su producción.

Al frente de todo, la ya destacada Clara Roquet, junto a Júlia de Paz como responsable de la segunda unidad; Neus Ollé es la directora de fotografía; Gloria Vázquez es la directora de arte; Clara Nieto y Sylvia Cabannas al frente de la producción; Patricia Monné trabajando como jefa de vestuario; Alicia Guerrero, jefa de maquillaje; y, finalmente, Ana María Honrubia como jefa de peluquería.

 

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En la parte masculina del proyecto se encuentra José Manuel Lorenzo como productor y dos hombres más se unen a Roquet para la elaboración del guion, Miguel Sáez Carral y Adrià P. Xancò.

Desde Disney+, su vicepresidenta de producción original en España, Sofía Fábregas, ha destacado a través de un comunicado que “Las largas sombras es una apuesta por el talento incontestable de una creadora como Clara Roquet y por un equipo y una productora de primer nivel como es DLO. Es nuestro primer thriller original, respaldado mayoritariamente por talento femenino, delante y detrás de las cámaras, y supone un importante paso adelante en nuestro slate de proyectos”.

Una directora con un futuro brillante

Y no podemos dejar pasar la oportunidad de pararnos, aunque sea brevemente para hablar de Clara Roquet, el cerebro detrás de esta serie.

A sus 34 años (35 el próximo mes de diciembre), Roquet se ha asentado como una de las directoras españolas con mayor futuro. La catalana estrenó en 2021 su primera película, Libertad, y lo hizo a lo grandes, estrenándola en la Semana de la Crítica del Festival de Cannes y ganado dos Premios Goya (entre ellos, Mejor Dirección Novel) y cuatro Premios Gaudí (incluyendo Mejor Película y Mejor Guión).

Pero Roquet no es solo una buena directora, sino también una gran guionista, como lo demuestran sus trabajos anteriores en 10.000 KM (2014), junto a Carlos Marqués-Marcet; Petra (2018), con Jaime Rosales y Michel Gaztambide; la serie mexicana de Netflix Tijuana (2019); Los días que vendrán (2019), de nuevo junto a Marqués-Marcet y Coral Cruz; La ofrenda (2020), con Ventura Durall, Guillem Sala y Sandra Beltrán; o, más recientemente, el guion de Creatura (2023), dirigida por Elena Martín Gimeno, y recientemente premiada en la quincena de cineastas de Cannes.

Belén Cuesta, desencadenada

En cuanto a Belén Cuesta, con todo lo que tiene a sus espaldas y, sin pararnos a recordarlo, no hemos parado de verla en numerosas producciones desde que, entre 2016 y 2019 hiciera el papel de Magüi en la serie de Netflix Paquita Salas y, entre 2019 y 2021, interpretara a Julia -o Manila- en La Casa de Papel.

Por el camino -en estos últimos años- nos ha dejado títulos como La trinchera infinita (2019), en un papel excepcional junto a Antonio de la Torre; Hasta que la boda nos separe (2020); Un novio para mi mujer (2022) o El Cuco (2023), pero, sobre todo en series como Cristo y Rey y Cites, ambas de 2023, a la que pronto se va a sumarLas largas sombras y Balenciaga, y otros dos trabajos más, la serie Romancero y la película La Torca del Diablo, dirigida y protagonizada por Julio Rojas.

Todo eso, de momento, porque, a Belén Cuesta no paramos de verla en cine ni en televisión, y aquí ya sea en series o en anuncios publicitarios. Una actriz de altura que no para y que, en Las largas sombras, podremos ver además acompañada de otro grupos de actrices tremendas.

Mucho por ver y mucho que disfrutar. De momento, con este interesante thriller de Clara Roquet y Belén Cuesta que promete… ¡y mucho!

ANTONIO SÁNCHEZ